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这是男人的世界,传奇男高音与灵魂乐教父的经典合作!

当传奇男高音帕瓦洛蒂

遇上灵魂乐教父詹姆斯·布朗


在2002年5月28日

「帕瓦洛蒂与他的朋友」演唱会上

两大音乐界巨擎共同合作的

《It’s A Man’s World》


可以说是

音乐界永恒的经典合作之一


看完之后,只觉得太神了!


两人的合作内容非常多元,他们使用两种语言的,詹姆斯使用英文,帕瓦洛蒂使用意大利文来演唱,他们也使用两种唱法,一个是歌剧美声,另一个是流行唱法,这样一来一往的搭配起来,成为了乐迷们永恒的经典,毕竟这样的画面已然成追忆。



这场音乐会的名称叫做

「帕瓦洛蒂与他的朋友」

两人在台上的互动也非常吸睛

不禁感到有基情


一开唱

詹姆斯就先给了帕瓦洛蒂

一个十足的飞吻


接着帕瓦洛蒂

给他一个暧昧的小眼神


It’s A Man’s World

这就是男人的世界!

开始热唱之后

在台上完全能感受到两人的好交情

以及良好的演唱默契!


虽然两大巨星皆以仙逝

但是经典永存在众多歌迷心中



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第89届奥斯卡最佳真人短片!来自一个校园合唱团的秘密

今天的世界音乐推送视频,

有一点长,24分51秒,

耐心看,但绝对值得。

成年人看输赢利弊

小孩子看对错真假


短片由匈牙利导演 Kristóf Deák 执导,获得第89届奥斯卡金像奖最佳真人短片奖。故事情节改编自真实事件,设定在九零年代的布达佩斯。



Zsófi 转学而来,正在努力适应她的新学校。

在学校著名的合唱团唱歌是她唯一的安慰,却被合唱团总监艾丽卡老师告知不要大声唱歌。


Zsófi 的新朋友 Liza 慢慢发现了这个现象,了解到 Zsófi 并非个例。


为了不让唱歌不好的孩子拉后腿,艾丽卡老师要求这些孩子只动嘴假装唱歌。

这种不公平的待遇,孩子们并不认为她是一个鼓舞人心的老师。



当合唱团的秘密被搬上台面,被寄予众望的学校合唱团和班里新来的女孩一起面临一个艰难的选择:

是站起来反抗腐败的制度,

还是悄无声息地适应它?

孩子们选择了暂时的妥协,用自己无声的反抗教给老师重要的一课。




    

《Sing(Mindenki)》在今天获得第89届奥斯卡最佳真人短片奖,在其他国际大奖上也收获颇丰。

拿下了芝加哥国际儿童电影节成人陪审团奖、里尔欧洲电影节观众奖、兰萨罗特国际电影节观众奖等诸多奖项。


得到了媒体的一致认可和好评:

《纽约时报》我最喜欢的一个反对不公正和腐败权威的比喻。


《芝加哥太阳报》:它得出了一个结果,那么伟大,让我几乎跳起来和欢呼。



screenpicks.com网站:精巧的指导,用唱歌提醒我们,单一的声音能够单独启动革命。



the trash bash网站:这是独立电影的现实主义和感觉良好的好莱坞魅力之间的一段优美舞蹈。



    

电影制作团队在这部接近25分钟长的短片中精心编织了成人和儿童的观点。



两位儿童演员 Dorka 和 Hais Dorottya 很好地诠释了剧本,小小的年纪展示了非凡的表演天赋。



导演 Kristóf Deák 融合了学校生活的各个方面,强调了成人儿童在优先事项的重大差异,使电影相对更接近现实:

大人用他们的方式去争取利益,不顾一切。

而孩子们为了找回公平,

用他们的方式去获得公平和尊重。


Kristóf Deák


Kristóf Deák 在接受媒体采访时有一些感悟:


对我来说,拍摄这部短片教会我最重要的东西是不要试图把自己的每一个想法都塞进电影中,要让整个故事尽量保持小巧且紧凑。
要注意到所有不同的层次,并通过塑造小细节来增强这些层次的意义。
要确保自己在影片中创造了某种氛围,以此为基础来指导影片的视觉和表演,以便让这些元素加深影片的深度,而不增加其长度。
我们知道我们需要令人惊艳的儿童演员来撑起整部短片,所以我们花了大量的时间来找这些小演员。
影片最终的效果证明他们在电影中的表现完全超出了我的期望。
对这部短片的大多数赞美都是关于他们在表演时的入戏和自然,但是大多数人没有意识到这些孩子在丰富故事细节方面做了多大的贡献。


    

在韩寒的《后会无期》电影中,有一句经典台词:小孩子才分对错,成年人只看利弊。

一句为故事情节安排的台词,被不少人奉为成年人世界的价值准则。

是的,为了得到一些华丽有益又直接的结果,成年人倾向于精准残忍的处事方式。

可是,最重要的是什么?

对于这些孩子来说,可能只是参与,是被大人放弃的“对错”。

成年人世界里有一些被遗忘了很久的东西,在我们的童年里曾经非常重要。

当孩子们真真实实地保护着对他们来说最重要的东西时,这份行动总是让人动容。

在孩子未来长成大人的世界里,这些甜美的回忆就更显珍贵和可爱。

而他们也会变成有情有义、血肉丰富的大人,不忘初心。

如果成年人的世界只有利害没有对错,和星球永远失去光明有什么区别,那就算了吧。

文章转载自: V电影Vmovier


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咦?!我新买的吉他怎么有股脚臭味??

(嘟。。。嘟。。。嘟)


喂,这里是吉他店吗?



是的,您需要什么呢?



我想在你们这拍摄一支MV



好啊,没问题,有什么可以帮您的地方?



哦!没什么,我只不过想用脚踹一遍店里所有的吉他



#!¥#&(¥()——&



没想到吉他可以这样玩


Luca Stricagnoli

Luca Stricagnoli于1991年生于美丽的意大利小镇Varese。当他还是个古灵精怪的小男孩,就展现出了异于常人的吉他天赋,对吉他有种天然的亲近感和好奇心。10岁时他开始尝试学习古典吉他,但是因为老师一板一眼的教学与他自己的吉他世界格格不入,随后他的吉他学习就中断了3年。在他重燃对吉他的热情后,他开始自己摸索属于自己的音乐。他喜欢给别人表演吉他,也喜欢参加各种选秀节目,最后还赢了不少的才艺选秀比赛!那是因为他不仅能用与众不同的方式弹吉他,也会将其他乐器结合到自己的吉他表演里面,加上阳光帅气又活泼爽快的个性,小鲜肉Luca迷倒了不知道多少小公举的少女心。


22岁时,他签约了国际指弹圈知名的美国厂牌“Candyrat Records”。目前已发行一张同名专辑《Luca Stricagnoli》。他的Facebook视频点击量超过1400万,YouTube视频点击量超过700万,也曾在中国多地举办个人巡回演出。

Luca的首张个人专辑

Misirlou

Misirlou“是一首来自地中海东部地区的传统歌曲,原作曲者不详,最早的录音版本是由来自奥斯曼帝国的Michalis Patrinos和他的乐队于1930年在希腊雅典录制的。后来此曲于1962年时经过美国吉他手Dick Dale重新改编。Dick Dale的父亲和叔叔是黎巴嫩裔美籍音乐家,他曾在小时候看见叔叔们用中东传统乐器乌德琴弹奏此曲。1962版本的”Misirlou”后来被收入于昆丁塔伦蒂诺94年的电影《低俗小说》。在电影开场的时候,跟随着剧情的骤然反转——互诉衷肠的情侣突然跳出来叫嚣着“打劫”,此时“Misirlou”音乐声响起,拉开了电影的帷幕,给观众留下了深刻的印象。之后许多音乐家都采样了此曲,最著名的版本应该是黑眼豆豆的”Pump It“。


经典电影《低俗小说Pulp Fiction》

经典场景“我想跳舞”

音乐


有时并不完全是听觉的享受


适当地加入一些视觉的元素反而会使


歌曲本身大大的加分


(不过,这首曲子还加了嗅觉的元素……)


有人可能会怀疑音乐是后面加上去的


这就太小看Luca了


因为他现场是可以表演这首曲子的

原来弹吉他不止能锻炼双手的灵活度,双脚的也可以

(右手好像还拿着……插上棉花糖的刀子??)


看到Luca这么


阳光帅气


琴艺高超


年轻有才


我只想说





“老师,还招学生吗”



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这些 70 年代的音乐科技,你现在也未必懂

Mind-warping synthesizers! The Walkman! Karaoke! Looking back at the ’70s innovations that shaped how people created and listened to music throughout the decade and beyond.


音乐的历史发展进程与科技的发展进程有着密不可分的联系。从原始时代人类使用各种器物敲打节奏,还有电影中常出现的号角,到后来爱迪生发明了留声机和点唱机。可以说,工具的进化一直推动着音乐的聆听和创作方式。


很多人把 1950 – 1960 的科技发展看作是流行音乐的诞生。的确,在那个时候收音机开始普及,黑胶唱片和多轨录音机也为 60 年代末的音乐创作铺开了道路。但其实在某种程度上说,70 年代才正式拉开了现代音乐技术的序幕 — 它的上半部分可以看作是 60 年代的延伸,但下半场出现的发明,比如随身听和 CD,对所有的音乐类型都带来了深远的影响,直到现在。


如果真要给个说法,我们甚至可以将其定义为 “70 年代复兴”。


1970

24-Track Recording 

24 轨录音机


多轨录音机的出现,允许音乐人在不同的时间录制不同的演奏,所以在 70 年代音乐的复杂性也达到了一个新的高度。Beatles 乐队在1966 年用 4 轨录音机录制了 《Revolver》,但他们 1968 年才用上 8 轨录音机。到了 1970 年,16 轨逐渐成为了标准,然后 24 轨录音机就来了,并且 24 轨的标准持续到了 80 年代。纽约的 Record Plant  据说是第一个使用 24 轨录音机的录音室,很多 70 年代的音乐人也使用了这套设备,包括 AC/DC, Queen, Led Zeppelin。


Hi-Fi Cassette Decks

Hi Fi 盒式录音机


“盒式录音磁带” 在 1962 年诞生,然而直到杜比公司在 1968 年完成了降噪系统,这种形式才出现在音乐消费中。就是这项技术得以让 Advent, Fisher 和 Harman Kardon 在 1970 年推出首批卡带播放器。随着卡带的音质逐渐追上黑胶唱片,这种形式也变得越来越流行。据统计,在 80 年代早期卡带的销量超越了黑胶唱片。


Car Tape Decks 

车载磁带播放器


除了高端的生产技术,磁带兴起的另一个很重要的因素就是汽车市场,8 轨录音技术被广泛的普及。在 1970 年末期,底特律的汽车制造商开始在新车型上安装自带播放机,据报道当时的车载播放器已经有 “快进,倒退、录音” 的功能。那时人们已经可以在高速公路上享受自己的制作的混音带。磁带播放器的历史相当久远,甚至在 2011 年的车型上还能见到它的身影。

Quad-8

8轨卡带


尽管那时磁带当道,但经典的 8 轨道卡带并没有束手就擒。就在 1970 年春天,RCA 推出了 4 声道的 8 轨道卡带。与当时其他的立体声播放器相比,它可以提供类似的环绕声体验。


Portable Synthesizers

Portable 便携合成器


其实这种声音形式还有一段小插曲,平克·弗洛伊德的 1967 年演唱会本来就打算用这个技术进行录制,但最后跪了。不过后来平克·弗洛伊德还是使用这个技术发行了 Creedence Clearwater Revival 专辑,还有 Lou Ree 并不为人所知的 Metal Machine Music 专辑。有趣的是 Metal Machine Music 的卡带还在 ebay 上火了一把,竟然还有完好如新的原版卡带。尽管 8 轨卡带逐渐淡出视线,但还是成为了 70 年代的美好回忆。


Fender Rhodes Stage Piano

Fender Rhodes 舞台钢琴


Harold Rhodes  在 1965 发明了 Fender Rhodes 电钢,但直到 1970 音乐人才能买到可以携带的舞台电钢。在那之后,Rhodes 电钢在那个年代几乎无所不在,Stevie Wonder,Herbie Hancock, the Doors, 还有 Steely Dan,有太多的音乐人在唱片里使用了这台电钢。


到了 90 年代,neo-soul 音乐人 D’Angelo 和 Erykah Badu 把这种温暖的声音变成了经典,而最近的 Floating Points 和 BADBADNOTGOOD 则打算在唱片中把经典延续下去。


Mellotron 

Mellotron 电子琴


Mellotron 电子琴出现在 1963 的大不列颠,刚开始的时候还只是利用磁带采样的键盘乐器,晚些时候加入了略带颤音的笛声,也就是 the Beatles 1967 的单曲 Strawberry Fields Forever 开头的那段旋律。最普及的电子琴也许就是轻量的 Model 400,诞生于 1970。与 Rhodes 电钢一样,电子琴也横行了 70 年代,受到了 Genesis 和 Tangerine 乐队的青睐,还有大家喜爱的 90 年代乐队 Oasis 和 Radiohead。


顺带一提,现在已经有了 Mellotron 的 App。


Large-Scale Live Sound

大型演出系统


谁敢想象,Beatles 乐队 1965 年在纽约 Shea 体育馆表演时竟然用的是和播报员一样的广播系统,然后他们就取消了巡演。


在这之后,陆陆续续有各种各样的发明推动了现场演出的发展。但直到 Grateful Dead 在 1970 年 2 月在福克斯剧院的演出,才被看作是大型演出系统成型的开始。Grateful Dead 的巡演混音师,也就是 60 年代的演出声学系统先锋 Augustus Owsley Stanley II,在新奥尔良演出后被捕。福克斯让 Jerry Garcia 找来了附近的音频大师 Bob Heil,而 Heil 带来的大型声学系统让 Grateful Dead 决定聘请他进行巡演。Heil 为 the Who 亲手打造了这套系统,也就是这套发明终于让台下的观众可以真正享受到台上乐队演奏的音乐。




1971


Karaoke

卡拉 OK


难以置信的是,卡拉 OK 直到 1971 年才被发明,实际上在当时来说,要发明卡拉 OK 这套系统实在很困难。它的发明者是来自日本的 Daisuke Inoue,当时他正在夜店上班, 那有很多喜欢唱歌的商人。有一次,一位老板想让 Inoue 跟着他一起出差,帮他在旅途中享受音乐。然而 Inoue 并不能逃班,所以他帮这位老板录了一个伴奏磁带。就在同一年的晚些时候,Inoue 造出了第一台卡拉 OK 点唱机,当时被翻译为 “伴奏机” 。


歌迷从来没能这样享受他们喜欢的歌曲,直到 Inoue 发明了卡拉 OK。


Vocoders as Musical Instruments

声码器


声码器是音乐人非常熟悉的设备,它其实就是一台可以分析人声的合成器,通过人声创造出电子化的声音。然而这个东西有着悠久且美丽的历史,甚至可以一直追溯到 1928 年的第二次世界大战。


在 1967 年早期,Alvin Lucier 在 “North American Time Capsule” 就使用了声码器,但应该没有多少人听得出来。另一位 Moog 合成器器的爱好者 Wendy Carlos,在 1968 年发行 Switched-On Bach 黑胶后与 Moog 开发了一台声码器原型。接着 Carlos 就使用这台贝多芬声码器进行创作,而他创作的作品正是斯坦利·库布里克的 1971 电影《发条橙》,而声码器也就这样被观众们所熟知。


很多人都知道 “Talk Box”,但其实它和声码器不是一个东西。声码器同样在 70 年代被广泛使用,从 Kraftwerk, Electric Light Orchestra 到 Giorgio Moroder 和 Pink Floyd,80 年代后又有 Phil Collins 和 Neli Young 加入。尽管声码器和 T-Pain 擅长的 Auto-Tune 效果器有着明显的区别,但 Daft Punk 在 21 世纪依然使用着这个叱咤 70 年代的特殊设备。


Wah-Wah Gets Funky

哇音效果器踏板


哇音踏板被用来改变电吉他的声音信号,它其实是模仿小号长号的落音器,但用电子方式实现 “哭腔”。尽管 Chet Atkins 早就尝试过类似的设备,但现代意义上的哇音踏板是在 1966 诞生的,而且是一个意外,这得感谢加州的托马斯风琴公司和工程师 Brad Plunkett。


在 60 年代晚期,哇音踏板与迷幻音乐有着很大的联系,被大量用在了 Jimi Hendrix 和 Cream 的专辑中,不过 Hendrix 在 1967 年单曲 Little Miss Lover 上的用法开创了另一条道路。


吉他手 Charlie Pitts 在 Isaac Hayes 的获奖单曲 Theme from Shaft 中使用了现在依然流行的哇音技巧,这种节奏感极强的风格就是从这里开始的。当然如果 Miles Davis 在 70 年代的 3 张专辑,这种技巧也许不会像今天这样盛行。


971Live Evil, 

1972 On the Corner,

1975 Agharta


Digital Delay

数字延迟效果器


音频行业在 70 年代初期都开始憧憬着未来的数字时代。马萨诸塞州的 Lexicon 公司在 1971 年创造了 Delta T-101 数字效果器,这在后来被看作是相当有有突破性的创新和成就,在这之后的 10 年内音频行业进入了数字时代。Lexicon 后继在 1978 年推出了数字混响系统。尽管大家对于经典模拟设备还是有着无法磨灭的情感,但无论是后来的电脑还是更加精确的效果器踏板,都多亏于这十年间对于声音产生方式的重新设计。


TONTO

合成器系统 — 新形式的 “交响乐团 ” 


60 年代晚期,Malcolm Cecil 和 Robert Margoulef 收集了大量不同的合成器,并且把这些合成器组合成了一个新的系统,他们把这套系统叫做 “新形式的交响乐团”(TONTO)。卡尔加里国家音乐中心于 2013 年弄到了这套系统(TONTO), 据他们的说法这是历史上第一次合成器能够同时产生这么多的音色和声音。


Malcolm Cecil 和 Robert Margoulef 在 1971 年以 Tonto’s Expanding Head Band 的名义发布了黑胶唱片,这也是听众第一次接触到合成器系统。然而 TONTO 并没就此完成它的使命,Stevie Wonder 70 年代的专辑 Music of My Mind, Talking Book 和 Innervisions,还有 Quincy Jones, the Isley Brothers 和 Gil Scott-Heron 都使用了 TONTO 的声音。Stevie Wonder  甚至把这壮观的机械景象当做唱片的封面。


这套系统也出现在了 Brian de Palma 的 1974 电影 魅影天堂 Phantom of the Paradise,这对 Guy-Manuel de Homem-Christo 和 Thomas Bangalter 产生了非常重大的影响。这二位也就是传说中的 Daft Punk。


1972


King Tubby’s Mixing Desk

King Tubby 的混音台


60 年代,牙买加有位修电器的老师傅创造了一套 Hi-Fi 声音系统,他就是 Osbourne Ruddock,Aka King Tubby。这套系统在 DJ setup 中有着相当的地位。


King Tubby 在金斯顿有自己的 Home Studio,他会在那用自己买来的 4 轨录音机进行创作,dub 也就是在这样的过程中诞生的。1972 年,King Tubby 在 Bunny Lee 的引荐下购买了老款 MCI 混音台,这让他得到了高通滤波器、混响和延迟效果器,以至于这些东西产生的 Dub 元素对于后来的 Post-Punk, Hip-hop,和 Techno 都有着深远的影响。


Mu-Tron III 

Mu-Tron III 效果器


Funk 其实来自这样一款产品:能够让各种电声乐器听起来有合成器的感觉。来自新泽西的 Musitronics Corp 公司,在 1972 年发布了这样的效果器单块 — Mu-Tron III,引领了新的 “包络滤波” 或者是 “自动哇音” 效果器单块。就像它的名字,这款效果器可以让弹奏的任何音调变成哇音。这款效果器会出名都是因为 Stevie Wonder,他在 Innervisions 的 “Higher Ground” 中把 Mu-Tron III 和 clavinet 钢琴一起使用,顺便为这个效果器打了个广告。


“Dry-as-a-Bone Sound”

干声  


随着科技的发展,录音室可用的轨道数量越来越多了,而录音师也找了使用它们的新方法。很多录音室开始把麦克风靠近乐器,而不是捕捉整个房间的声音,甚至把乐手安排在独立的房间进行录音。


“他们想要去掉漏音和杂音,所以每个音轨都是不相关联的拼图,录音师可以在最后的混缩过程中进行调试,对声音进行进一步塑造。” — Greg Milner 在他的录音传记中 Perfecting Sound Forever 写道。


干声录制技巧被西海岸音乐人广泛采用,比如 Eagles 和 Steely Dan,同时干声也充分展现了 AC/DC 和 ZZ Top 那直接的摇滚。



1973


The Heil Talk Box

The Heil Talk Box 效果器


没错,又是 Bob Heil,那位帮助 Grateful Dead 和 the Who 传达演出声音的音响大师。Heil 也是 Talk Box 的发明者和推动者,简单来说它可以把你的声音通过乐器进行演奏。“大兄弟!你看那个人的吉他竟然在说话!”


Heil 在 70 年代早期为 Hoe Walsh 创造了第一个 Talk Box, 然后把第一个商业版本作为圣诞礼物送给了 Peter Frampton。Peter Frampton 把这个小东西用在了 Frampton Comes Alive 专辑中,这张专辑的大卖把 Talk Box 和他永远交织在了一起。




1974


The 12″ Dance Single

12 寸黑胶


Tom Moulton Mix 是 70 年代公认的高质量迪斯扣单曲,但它的制作人还对这种音乐的呈现形式有着非常大的影响力。


当时的黑胶唱片还是一次性工艺,刚好母带师 José Rodriguez 把 7 寸黑胶用完了。Rodriguez 提供了两种替代方案,一种是 10 寸,一种是 12 寸。Moulton 希望 Rodriguez 能把旋律贯穿整张唱片,这样会带来一些附加效果,制造一种略大的声效,对于 DJ 来说那可真是极好的。


所以 12 寸马上就成为了舞曲的标准,但其实 Moulton 在音乐历史上的地位早已经明确:他被广泛的认为是舞曲 Remix 和舞曲混音带的创造者。


1975


Polymoog 

复音合成器


尽管合成器在 70 年代早期已经变得相当便携,但还是无法同时弹奏两个及两个以上的音。不过在 1975 年,Moog 发布了 Polymoog,这款早期的 71 键复音合成器通过 Gary Numan 的 1979 热单 Cars 奠定了在 Synth Pop 中的地位,还有 Blondie 的 “Heart of Glass“ 中类似弦乐的音色。


其他的复音合成器席卷了这个年代,包括 Yamaha CS-80 (1976), Oberheim 家的 Polyphonic and OBX, Sequential Circuits 家的Prophet-5 和 Roland 家的 Jupiter 4。


Prince 在 1978 年的专辑 For You 中曾提到一位很有意思的创作者 — “Ms. Poly Moog”。


Component Car Stereos

车载立体声音响系统


当司机们开始习惯用车载磁带播放器享受自己喜欢的音乐时,更加昂贵和高端的车载音响系统也出现了。先锋电子在 1975 年首先推出了车载音响系统。这套系统有不同的组件,包括低音喇叭(中低频),高音喇叭(高频),能够带来更加理想的声音效果。当然还有低音炮,不过在当时来说这要高端许多。




1976


The VCR

录像带播放机


MV 的历史有着和有声电影一样悠久,所以音乐录影带的兴起也被看作是家庭视频的兴起。


在 1976 年,JVC 推出了第一台 VHS 录像机 – JVC HR-3000。随着音乐录影带在 1981 的 MTV 上积攒了大量人气,观众不仅可以录制 MTV 节目随后观看,更可以直接购买艺人推出的 VHS 录像带。很多艺人都有推出这样的录像带,比如 1989 年迈克杰克逊的“月球漫步”,以及 1983 年的铂金唱片 “Thriller” —第一个登顶 Billboard 视频榜单的 MV,并且连续占据了 8 个星期。


后来的故事大家都知道了,DVD 来了,然后是以 Youtube 为代表的线上视频网站。显然录像带已经过时了,但人们对于音乐录影带的追求正式从这项技术开始的。


1977


Synclavier

Synclavier 合成器 


在 70 年代后期,一种新的合成器带来了更加突破性的发展。1977 年,一家英国的新创公司在美国达特茅斯研发出了 Synclavier 合成器,这个早期的数字合成器一直蔓延到了 80 年代。这种数字合成器带有数字采样和其他相当方便的功能,逐渐帮助各大 Studio 实现 “无磁带”化。


在经过了 10 年之后,Synclavier 合成器在各种热门单曲中频频建树,其中 “Beat It” 这首歌就使用了 Synclavier 合成器的预设。


Commercial Digital Recording

商业化数字录音


数字录音背后的技术可以一直追溯到二战时期。数字录音方案的出现为模拟的方式提供了更多选择,并且在音乐制作意外的领域开始崭露头角。早在 1971 年,日本厂商 Denon 就推出了早期的商业化数字录音产品。后来的 Sony PCM-1,被看作是第一代正式商业化的数字录音系统,推出时间正好是 1977。在同一年,通过数字录音产生的专辑也问世了 — Ry Cooder 的 Bop Till You Drop,以及 Stevie Wonder 的 The Secret Life of Plants。


The Modern Stratocaster

 Fender Stratocaster 电吉他


虽然 Fender 标志性的 Stratocaster 吉他在 70 年代前就已经大受欢迎,但新版本要比老板升级不少。1977 年,在 Stratocaster 打开市场 23 年后,Fender 用 5 个档的拾音器拨档替换了老式的 3 档位设计,而这种设计一直延续到了现在。虽然我们不知道这样的改变会对吉他手的弹奏方式造成什么影响,但这确实被看作是吉他市场中的大事记。


The Power Station

发电厂录音棚


70 年代很多制作人和音乐人都采样相同的方法进行创作和录制,近场拾音麦克风几乎成为了 70 年代的标志。来自新泽西的 Tony Bongiovi 曾经在摩城唱片工作了 17 年,他想要类似摩城那样的现场氛围同时还要避免麦克风之间的叠音。Tony Bongiovi 在曼哈顿老城区开了一家叫做 “发电厂” 的录音棚,在这里开始了与雷蒙斯乐队、Talking Heads、葛罗莉亚·盖罗和 Al Downing 的合作生涯。“发电厂” 在 70 年代末期输出了大量经典唱片,比如 Chic 的 C’est Chic 和 Risque,Bruce Springsteen 的 The River 和 Born in the U.S.A,David Bowie 的 Let’s Dance,以及麦当娜的 Like a Virgin。


Pink Floyd’s Flying Pigs

Pink Floyd 的飞猪


尽管 Bob Heil 率先在美国引进了大型现场演出系统,但 1967 年 Pink Floyd 在的英国已经开始使用四声道演出系统,并且开始在演出中加入大量视觉元素,从迷幻的灯光秀到烟火表演,以及超大型充气玩具,最具标志性的就是 1977 年 Animals 巡演中出现的充气猪。可以说灯光、烟火和气球在整个 70 年代都很收欢迎,像 Queen 和 Kiss 这样的乐队都有采用。


Roland MC-8 Microcomposer

Roland MC-8 Microcomposer 合成器


随着合成器变得越来越复杂,一些厂商开始加入电脑的处理方式。日本大厂 Roland 在 1978 年推出了 MC-8 Microcomposer,虽然产量非常小,但这款产品还是让大家看到了芯片对于音乐的力量。这款合成器采用了 Intel 8080A 8-bit 处理器,以及 16KB 内存,还有一个类似计算器的键盘。这款设备的早期用户包括 Ryuichi Sakamoto 和 Yellow Magic Orchestra,还有 Landscape 的 Richard James Burgess 和 John Walters。




1978


FM Radio Dominance

FM 收音机的统治


FM 广播可以追溯到 30 年代,在 60 年代后期它开始传播更加先锋的音乐,这也间接产生了专辑导向的摇滚乐。FM 是一个更加自由的平台,更加适合用来收听音乐。


至于 FM 啥时候取代 AM,这实在很难追究,但大部分资料普遍都认为是 1978 年,那时 FM 电台占据了 Top 50 电台中的 Top 10。


Roland CR-78 Drum Machine

Roland CR-78 鼓机


60 年代已经出现了只能播放原厂预设的节奏鼓机,而能够手动调制的鼓机则在 70 年代出现了 — Roland CR-78 诞生于 1978, 通过 Blondie 乐队被人们所熟知。直到 80 年代才出现了像 Roland TR-808 和 Linn LM-1 Drum Computer 这样人人皆知的传奇鼓机。

The Townhouse

The Townhouse 录音棚


纽约的 “发电厂” 不是唯一在 70 年代带回现场声音氛围的录音棚,在 1978 年 Virgin Records 的巨头 Richard Branson 在伦敦建立一个叫做 Townhouse 的录音室,结合了传统声学处理的录音室以及单独的石板混响房间。Townhouse 也是第一个使用机架的录音室,为他们提供解决方案的正是大明明鼎鼎的 Solid State Logic。1980 年,Townhouse 的工程师 Hugh Padgham 在录制 Peter Gabriel 的第三种个人专辑时发现了 SSL 机架在鼓手 Phil Collins 的作用下可以制造出一种声场巨大的声音。Padgham 接下来继续制作了 Phil Collins 的 1981 热单 In the Air Tonight,结合了 CR78 鼓机和 SSL 压缩器,Townhouse 成为了 80 年代最特别的录音室之一,他们的制造的鼓声成为 80 年代的经典。


1979


Fairlight CMI

Fairlight CMI 编曲计算机


发布于 1979,Fairlight 音源电脑不只是一台数字合成器,同时也是数字采样器。在 1990 – 2000 年这样的功能在便宜的个人电脑上都可以使用,但当时只有 Fairlight 被广泛采用。Led Zeppelin 的 John Paul Jones 据说是第一个购买 CMI 的用户,后续还有 Kate Bush, Trevor Horn, Stevie Wonder, Herbie Hancock, Jann Hammer 等音乐人的厚爱。


Phil Collin 在 1985 专辑 No Jacket Required 中曾有这样一段话:这张专辑中没有用到 Fairlight。换句话说,这张专辑中的弦乐都是实演实录,没有任何的采样。不经意间,CMI 的成功却让这样的事情变成了吹嘘的资本。


Tascam Portastudio

Tascam Portastudio 录音机


值得注意的,前面我们的提到的多轨录音工作都必须在录音室进行,但 Tascam 的卷盘式磁带录音机和混音台却让音乐可以在家进行录音。Tascam 在 1979 通过 Portastudio 让宅录得以实现,它被认为是第一台标准的 4 轨道磁带录音机。到了今天我们已经有电脑和手机可以随时进行录制,但当时 Portastudio 的便携性和实效性让其成为了 Bruce Springsteen、Guided by Voices、Panda Bear 等音乐人的利器。当然还有 Wu-Tang Clan 和 Madlib 这样的饶舌歌手,有太多的音乐人都在使用这个设备了。


Sony Walkman

索尼  Walkman


在 70 年代的进程中,乐迷们还不能很方便的把音乐带在身上进行享受,这在今天看来似乎有点难以接受。到了 1979 年,第一代 Sony Walkman 开始在日本贩售,彻底改变了听音乐的文化。虽然之后被 CD 播放器、iPod、手机等音乐收听媒介所取代,但 Sony 一直把 Walkman 品牌塑造成高端的数字音频设备。


Technics SL-1200MK2 Turntable

松下 SL-1200MK2 黑胶唱机


1970,日本松下公司推出了 Technics SP-10 直驱唱机,这也是历史上第一款直驱唱机。这种唱机的转盘由马达直接驱动,而不是传统的带式传动。


两年后 SL-1200 问世,但直到 1979 年的 SL-1200MK2 才升级了音调调节,这正好适应了 DJ 的需求。虽然之前唱机已经可以应付 Disco 舞曲,但直驱转轮狠狠抓住了先锋的 Hip-Hop DJ 们。


如今,这款 SL-1200MK2 唱机已经成为了历史级别的经典。松下在 2010 年停产了 SL-1200MK2,但去年他们决定用发烧唱机的形式回归 Technics 1200。


Compact Discs

光盘


“完美的声音” 刚刚到来。虽然在 1977 年索尼和其他厂商在东京音频展会已经推出了数字音频光盘的原型,但那时候光盘的尺寸和黑胶基本一致。到了 1979 年 8 月,德国厂商 Philips 首先推出了直径只有 11.5 厘米的光盘。


家庭数字音乐播放系统的革命直到 80 年代中继才开始,然后数字播放设备都开始采用一个小小的镭射感应器 “读取” 数字录制内容…. 


直到现在,下载和串流还没有像当初的光盘一样让这个产业充满活力….


Early Concept for an iPod

iPod 的前世


1979 年,英国发明家 Kane Kramer 首先提出了使用芯片驱动的便携数字音乐播放器,而且尺寸只有香烟盒大小。当时当然还没有数字音频文件,所以这位大哥的想法是通过电话系统和唱片店来实现随时随地享受音乐。在当时他的想法还是相当前卫并且靠谱的:即时传输,即时账单计费。


不过这位大哥怎么也没想到,苹果会用这样的便携音乐播放器概念在 2000 年代早期大获成功。未来一直是站在以前的基础上不断向前。


editor:一桑

translation:hotwill

original post:pitchfork


Freaks who rack up quirkiest things. 


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他专注改造垃圾40年,把猎枪变提琴,球杆变吉他

论做乐器哪家强?

你得先点开这个视频


任何不堪使用的破东西

在他手上经过改造过后

都能变成独一无二的乐器


视频中的男子,他的名字叫做Ken Butler是一位音乐家,也是一位艺术家,更是一位音乐界的发明家。


来自美国的Ken Butler因为从小学习中提琴,而对音乐产生强烈的兴趣,之后在大学时主修视觉艺术,这是他能让艺术与音乐结合在一起的背景,最大的主因还是在他发现那把破斧子,开启了他製作「垃圾乐器」的念头,所有在生活中常见与不常见的东西,高尔夫球杆、靴子、勺子……等等,他甚至能在每个日常器物中点评哪个适合与不适合做乐器。



每个他制作出的乐器充满了各种具造型感的外观,这显示了他除了音乐之外,别有天赋的音乐才华,一开始看起来奇形怪状的乐器,他在视频中也强调,他并不是为了要搞笑,也不是为了要哗众取宠……



而是想让所有人知道

任何普通的物品都可以与音乐有所相关

变成一个个独树一帜的乐器



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从7岁到110岁,这10位女神用音乐改变世界


不论你是女生还是女人,

不论你青春奔放,年华正盛

或优雅地看岁月静好,

我们都要把每一天过得像节日精彩!


10位女神的10大特质

让我们越活越自由
越活越美丽



1


改变男人,绝不被男人改变


点击图片,阅读小野洋子的故事


有人认为小野洋子毁了约翰·列侬,毁了披头士乐队,毁了他们心目中的的摇滚天团;但列侬却说,「她是我一生中最重要的女人」,更说过小野洋子是“世界上最有名,却最不为人知的艺术家,每个人都知道她的名字,可没有人知道她做了什么。”小野洋子始终如一,即便跟最负盛名的摇滚巨星相伴,也从未失去自我。



2


美女与野心,秒杀所有网红脸


点击图片,阅读Alondra de la Parra的故事


墨西哥女指挥家奥朗德拉·德·拉·帕拉(Alondra de la Parra)不是第一位女指挥,也不算最出名的一位,1.76米的修长身材配上精致野性的五官,会让你想起那些好莱坞的热辣美女明星。她之所以引发美国媒体的关注,不仅因为她的出身、国籍以及外貌,更因为她的野心——她23岁时创立乐团,录制的首张唱片就登上了美国公告牌古典音乐金榜的前10名,创下墨西哥近十年来古典音乐唱片的最好成绩。



3


人生苦短,必须性感


点击图片,阅读香奈儿与斯特拉文斯基的故事


香奈儿与斯特拉文斯基曾经有过一段秘密恋情,他们成为了彼此的灵感。在与斯特拉文斯基缠绵的这个夏天,香奈儿发表了品牌中最具代表性的产品——香奈儿五号香水。也许是这段经历,让斯特拉文斯基在1920年代提出新古典主义,为这个世代的音乐开启另一条新的路。但这段恋情最后因为斯特拉文斯基的家室问题无疾而终,香奈儿敢爱敢恨,对她而言 「唯有自由不会过时。」



4


女神经,更有魅力


点击图片,看Barbara Hannigan发神经


扎着双马尾,戴着黑框眼镜,穿着制服小短裙,嚼着泡泡糖上台的女人,Barbara Hannigan是个不寻常的女高音,扮丑扮屌丝扮性感都难不倒她。出色的音乐造诣加上疯狂的创意,Barbara Hannigan简直是古典乐坛最美的女神经,但也最迷人!



5


当个天真乐观的冲动派


点击图片,听梅姨唱歌努力跑调


佛罗伦斯·佛斯特·珍金丝(Florence Foster Jenkins)被誉为世界上走音最严重的女高音,但偏偏就是这样,她的演唱会场场满座。珍金丝真的热爱音乐并想要分享给其他人,她是个非常真诚的好人。虽然大部分台下的观众都是为了嘲笑她,但也的确被她另类的魅力及在演出时流露出的纯粹喜悦所吸引。



6


活在当下,谁都是天后


点击图片,阅读Aretha Franklin的故事


Aretha Franklin是美国第一个以天后称之的女歌手,累积全球超过7500万张唱片销售,一人拿过19座格莱美奖,也是第一位进入美国摇滚名人殿堂的女性。这种种事迹,都让Aretha Franklin成为美国人心中最具代表性的乐坛天后,连奥巴马等人都不得不慑服。不过年近七旬的她,不怕改变,乐于挑战,却开始翻唱了Adele、Alicia Keys等年轻灵魂歌手的作品。她说:她们都是Diva!



7


回归本色,活出自我


点击图片,阅读Cesaria Evora的故事


Cesaria Evora是西非著名的赤脚歌后,赤脚演唱蕴含着自己“和贫苦女性同甘共苦”之意。她从酒吧唱到格莱美的舞台。她成为麦当娜和瑞奇·马丁等巨星眼中的偶像,却拒绝到财大气粗的巨商富贾家中演出,坚持回到家乡,同她的孩子们一起,在她生活的地方歌唱。



8


人生不只有广场舞,还有更美的声音


点击图片,听女高音唱歌


如果有天年华老去,你是否还愿意追求“美”!?出生于1931年的女高音歌唱家Fausta Truffa动情演唱的咏叹调《纯净的天使》时,那对艺术全情的投入和热爱让人无比的震撼,像是生命用另一种方式在抵挡着时间的侵蚀。



9


智慧与宽容会让你一直美好


点击图片,阅读Alice Herz Sommer的故事


Alice Herz Sommer 弹了102年的钢琴,去世时享年110岁。她是二战大屠杀幸存者,在集中营的两年间,她一共演奏了150场音乐会,时常来听音乐会的纳粹军官,因为音乐对她表示感激和帮助,也支持着她等到走出集中营的一天。黑暗的年代,音乐完成了对人性的慰籍和救赎。她说:“音乐是唯一能帮助我们保持希望的东西,它让我快乐,也给孩子们安全感”。



10


最后,永远别忘了心里那个单纯、执着的小女孩


点击图片,听Angelina Jordan唱歌


来自挪威的安洁莉娜·乔丹(Angelina Jordan)是一个白净瘦小,有着空灵嬉皮外表的女孩,她7岁出道,今年已经10岁了。她美妙而独特,彷佛烟熏的嗓音,仿佛住着一个偏执的老灵魂。听她唱歌,仿佛听见你上辈子的爱情故事。



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这个长得像包子的东西是史上最魔性的乐器


这外型看起来呆萌呆萌的奇怪乐器

居然一触碰到它发出魔性的声音

看完后不禁想对它说一声


你这磨人的小妖精!




这个乐器一开始看呆萌呆萌的,压根不觉得它是个乐器,从视频中可以看到,在前奏开始之后,这可爱的小蝌蚪开始发出了魔性的叫声,小哥左手按着长在上面的竿子,右手不断地按压着小蝌蚪的脸庞,虽然看起来超级闹,发出了类似于唢呐的声音,此乐器自带十足的逗比属性,看著这段演奏,嘴角也会自动上扬。


仔细看着这个乐器的脸

突然有种熟悉的感觉


嗯?好熟悉喔…这是什么?


这…金黄色的包子…

该不会就是?!


是的!就是中华小当家里解师傅的经典好菜

黄 金 开 口 笑

 

看著小蝌蚪的脸还有演奏时的律动,和黄金开口笑可说是极为相似,如果有看过中华小当家的人,应该也忘不了这金黄色包子刚被端出来时,包子自己所发出的魔性叫声,跟蝌蚪乐器可说是远亲类的相似。


这也让人忍不住未看先猜,

这魔性的乐器绝对是日本人的杰作。


Otamatone

事实证明,无论是中华小当家里的包子,或者是这个蝌蚪乐器,日本人可以说是最爱创造新奇事物的民族。


这个小蝌蚪的名字是Otamatone


由日本的明和电机(Maywa Denki)生产并且主打的产品,而且还分三种尺寸,让人可以听到不同的魔性声音,被称为史上最烦人的乐器,但是其实愈看愈有爱啦!




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有了这把琴,战斗民族的心都被融化了

自从上次看到战斗民族用手枪演奏贝多芬,

不只是贝多芬,我也吓尿了。


(想知道贝多芬为什么被吓尿,

请点击战斗民族用手枪演奏欢乐颂,贝多芬都吓尿了:)


但是当小编在网路上看到以下这段演奏,

我才发现战斗民族的浪漫与温柔

都在这个乐器里了



看完之后,

战斗民族的画风大变!

这把吉他的声音,干淨清脆又带著忧郁揪心的音色,听久了之后有种童话故事的奇幻之感,每一次演奏者在拨、弹之间,如同在心中丢下一颗颗小石子,引起了情感的连漪。


这如同琉璃仙子的乐器

居然是战斗民族在十八世纪时最钟爱的乐器


巴拉莱卡琴

这是十八世纪时,红极一时的俄罗斯国民乐器“巴拉莱卡琴”,在俄罗斯风俗里巴拉莱卡琴被视为俄罗斯民族的象征,琴腹呈三角形,只有三根弦,通常用手指拨奏,也可用皮革制的拨子弹奏,而它的前身是哈萨克族乐器“冬不拉”。


巴拉莱卡琴最特别的是,它拥有各种型号,最大的琴身可以达到一米八,最小的琴身可以小至600毫米,这些尺寸大小影响了它的音域与音高。


在当时,俄罗斯各种需要音乐演出的场所,无论是宫廷晚宴、平常老百姓的婚宴都可以听到它的声音,是一个从富贵到平凡人家都喜爱的乐器。可惜感情就是来得快去得也快,十九世纪时手风琴的出现,使巴拉莱卡琴被打入冷宫,不过在十九世纪末,因为一名俄罗斯贵族瓦西里·安德烈耶夫与几位音乐家的改造与复兴,让巴拉莱卡琴又重新挽回俄罗斯人民的爱戴,找回乐器一哥的地位。



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爵士二重奏的演奏秘诀

留言得奖名单



上面的3位朋友请注意

请于周日3/12至后台留言姓名+手机

到时候直接去上课就行啦~


时间 Time

3/16THU 19:00-20:00

 

地址 Location

1350号美华邨11号别墅(近虹桥路),JZ School

Bldg 11, Meihua Garden, No.1350 West ZhongshanRd (near Hongqiao Rd) ,JZ School



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